2010年以降、現代美術の作品8点が、オークションで1億ドルを超える価格で落札されてきた。こうした驚くべき価格は、オークション市場には合理的な根拠がないという、美術専門家の間で長く信じられてきた見方を強めている。たとえば、Time誌の批評家ロバート・ヒューズ（1992）は、「美術作品の価格とは、純粋で非合理的な欲望の指標である」と断言した。ソザビーズのチーフ・オークショニアであるトビアス・マイヤーは、オークション価格は「魔法的」としか形容できないと主張した（Leonhardt 2006）。そして、それ以外を主張する者は不誠実だとされた。――ニューヨークのグッゲンハイム美術館の学芸員ロバート・ローゼンブラムは、ウォール・ストリート・ジャーナル紙に対し、「私は、特に経済の観点から、美術の中にパターンを見つけようとする人を即座に疑う」と語った（Duff 1998）。
美術には合理的なパターンが存在するのか？
我々は最近、1965年から2015年の間に売買された、ジャクソン・ポロックとアンディ・ウォーホルの絵画のオークション記録をすべて分析した。対象は、ポロックの作品160点と、ウォーホルの驚くべき2,870点である（Galenson and Lenzu 2015）。両者を選んだのは、ある最近の研究で、美術研究者が20世紀生まれの最も偉大な画家として両者を挙げたことが示されたためである（Galenson 2009）。絵画の販売価格を従属変数とし、各画家について、制作時の画家の年齢を表す一連の二値の独立変数と、作品のサイズ、支持体（紙かキャンバスか）、販売年の統制変数を用いて、ノンパラメトリックなヘドニック回帰を推定した。年齢変数の推定係数は、ポロックについては36〜38歳でピークを迎える年齢-価格プロファイルを描き、ウォーホルについては34〜35歳でピークを迎えるプロファイルを描いた。
こうして推定されたピーク年齢が意味を持つかどうかを確かめるため、二通りの方法で、これらの画家のキャリアに関する美術専門家の評価と比較した。第一に、1990年以降に英語で出版された美術史の教科書を、利用可能なものすべて取り上げた。その結果、総計61冊が見つかった。そして、各画家の図版の作品が制作された時点の年齢によって、ポロックとウォーホルの作品の図版をすべて振り分けた。その結果、書籍で最も頻繁に図版として掲載されているポロックの作品は38歳の年に制作されたものであり、ウォーホルの場合は34歳であることがわかった。
第二に、両画家の直近の完全な回顧展に含まれるすべての作品を、制作時の画家の年齢によって振り分けた。対象は、ポロックについてはニューヨーク近代美術館で1998〜99年に開催された回顧展（Varnedoe 1998）、ウォーホルについてはベルリンのNeue Nationalgalerieとロンドンのテート・モダンで2001〜02年に開催された回顧展（Bastian 2001）である。1998〜99年のポロック回顧展で最も多くの作品が示した単一の年齢は36歳であり、ウォーホルの場合は34歳であった。
実験的・概念的な革新者
これら三つの非常に異なる情報源の一致は、美術にパターンが存在することを明確に示している。オークション市場はジャクソン・ポロックのピークを36〜38歳に位置づけている。教科書の図版はそれを38歳とし、直近の回顧展は36歳としている。アンディ・ウォーホルの最も高額な絵画は34〜35歳の時期に制作されたものである。教科書の図版はウォーホルのピークを34歳とし、直近の回顧展も同じ年齢としている。
これら三つの情報源がこれほど近い一致を示すのは、当然ながら偶然ではない。美術研究者の間には、ジャクソン・ポロックが最も優れた作品を1948〜50年、すなわち36〜38歳のときに制作したという合意がある。この時期、彼は独自のドリップ技法を用いて根本的な視覚的革新を成し遂げた。すなわち、中心的な焦点を持たない全体に広がる大きなイメージの絵画、線を形や空間の境界を定めるためではなく構図の独立した要素として用いた絵画、そして際限なく広がると想像しうる空間へと観者を包み込む絵画である。一部の批評家は、これを西部の広大な草原を表していると見なした。それは伝統的なヨーロッパ美術からの、特徴的にアメリカ的な離脱であった。これらの絵画について、ウィレム・デ・クーニングは「ジャクソンが氷を割った」と述べた（Ashton 1973）。これらの作品によって、ポロックは抽象表現主義運動の指導者となり、イメージの美しさと、ドリップ技法が象徴した自発性と自由ゆえに、同時代の画家や若い画家たちに影響を与えた。
同様に、美術研究者の間には、アンディ・ウォーホルが最大の貢献を成し遂げたのは、34歳だった1962年であるという合意がある。その年、彼は三つの広範な形式上の革新を行った。すなわち、連続イメージを用い、絵画を制作するための機械的技法を考案し、絵画を完全に写真に基づいて描いた。これらの手法は、最も古く最も大切にされてきた絵画の伝統の一つ、すなわち偉大な芸術は芸術家の霊感に満ちた筆致の産物であるという信念を踏みにじった。ウォーホルは、「私がこういう描き方をするのは、機械になりたいからだ」と宣言して、その侮辱をさらに強めた（Goldsmith 2004）。これらの革新によって、ウォーホルはポップ・アートの指導者としての評価を得て、20世紀の大半、そしてそれ以降も、多くの最も偉大な視覚芸術家にとっての基本的手法となった。
ポロックとウォーホルは、それぞれ典型的な実験的革新者、概念的革新者であった（Galenson 2006）。実験的革新者は、不正確な美的目標に向けて試行錯誤を重ねながら取り組む。ジャクソン・ポロックは、自分が美術の未来だと信じた大型絵画の新しい制作方法の探求に、ほぼ20年を費やした。35歳のとき、彼は独自のドリップ技法に到達したが、今日称賛される記念碑的傑作を生み出すまでに、さらに数年をかけてその技法を発展させた。対照的に、概念的革新者は、特定の考えを表現する新しい方法に突然たどり着く。アンディ・ウォーホルは、成功した商業イラストレーターとして10年を過ごして初めて、画家になることを決めた。その決断からわずか2年ほどのうちに、彼は機械的な印刷技法を用いて写真を絵画へと変換していた。これらの初期の絵画は、後に多くの若い芸術家に影響を与えることになり、彼が生涯で制作することになる中で最も重要な作品であった。
天才の価格づけ
偉大な芸術家は革新者であり、偉大な作品とは、その革新を体現したものである。オークションの販売から推定された年齢-価格プロファイルは、20世紀生まれの最も偉大な二人の画家がいつ最も偉大な作品を制作したかについて、教科書や回顧展に記録された美術研究者の判断と明確に一致している。この一致は、美術評論家や研究者の主張を決定的に退けるものである。美術の価格には一定のパターンがあり、そのパターンは明らかに合理的な判断に基づいている。美術市場は、コレクターが天才に投資することを可能にし（Stewart 2014）、その結果は体系的である。最も革新的な芸術家の最も革新的な作品が、最も高い価格をつけているからである。
参考文献
Ashton, D（1973）、『The New York School』、University of California Press。
Bastian, H（2001）、『Andy Warhol Retrospective』、Tate Publishing。
Duff, C（1998年5月22日）、「In Payscales, Life Sometimes Imitates Art」、Wall Street Journal。
Galenson, D（2006）、『Old Masters and Young Geniuses』、Princeton University Press。
Galenson, D（2009）、『Conceptual Revolutions in Twentieth-Century Art』、Cambridge University Press and NBER。
Galenson, D and S Lenzu（2015）、「Pricing Genius: The Market Evaluation of Innovation」、BFI Working Paper 2015-10。
Goldsmith, K（2004）、『I'll Be Your Mirror』、Carroll and Graf。
Hughes, R（1992）、『Nothing if Not Critical』、Penguin Books。
Leonhardt, D（2006）、「The Science of Pricing Great Works of Art」、New York Times、11月15日。
Stewart, J（2014）、「With Art, Investing in Genius」、New York Times、11月28日。
Varnedoe, K（1998）、『Jackson Pollock』、Museum of Modern Art。
本記事は、 Vox EUとの協力により掲載されたものです。掲載は、世界経済フォーラムによる見解の支持を意味するものではありません。
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執筆者：David Galensonは、シカゴ大学経済学教授であり、Universidad del CEMAのCenter for Creativity Economics学術ディレクターである。Simone Lenzuは、シカゴ大学経済学の大学院生である。
画像：サンパウロで開催された移動展「Walking Gallery」の期間中、パウリスタ通り近くのコンソラサン地下鉄駅のエスカレーターで、自らの作品を運ぶアーティストたち。REUTERS/Nacho Doce
