世界中で、文化と技術が前例のない形で融合し、都市、経済、創造的エコシステムのあり方を変えつつあります。
芸術そのものの革新にとどまらず、アーティストたちは、文化インフラの資金調達、ガバナンス、構築に関する新たな方法を提供する「カルチャー・スタック」を開発しています。
政策立案者は、より持続可能な創造的未来のために、こうした新たな文化モデルを支えるよう進化すべき時期かもしれません。
文化と技術は以前から密接な関係にありましたが、現在ほどその関係が深まった時期はありません。
ゲーム、人工知能（AI）、バーチャルワールドは大衆文化に大きな影響を与えており、例えば主要な国際展覧会であるヴェネツィア・ビエンナーレや主要なギャラリー・美術館を訪れると、アーティストがこれらの技術やその他の技術との関係を探究している作品に出会う可能性が高いでしょう。
至るところで、アーティストは技術を用いた、また技術をテーマとする新しい種類の作品を生み出し、観客がそれを体験する新たな方法を試みています。
しかし、表面の下では、より根本的な変革が進んでいます。
過去10年間で、新しい世代のアーティストが台頭しています。彼らは新しい技術で可能なことの境界を押し広げていますが、それを単なる創作の媒体として採用しているだけではありません。彼らはまた、技術的スキルを活用して、作品の資金調達と流通の方法を再考しています。
これは、文化セクターの運営方法における重要な転換を示唆しています。では、この転換はどのような姿をとり、どのような影響をもたらすのでしょうか。
カルチャー・スタックは現行の文化システムに対する代替案を示唆しており、そのため後者は変わらなければなりません。
「カルチャー・スタック」の台頭（culture stack）
この変化を理解するには、アーティストが公衆に示す作品よりも、彼らが構築している新しい種類の組織に目を向ける必要があります。私たちはこれを「カルチャー・スタック」と呼んでおり、それは「テック・スタック」、すなわち相互に連携して機能する一連の技術に類似したものです。
この記事を読むだけでも、ハードウェア層（例えばスマートフォンやノートパソコン）が必要であり、その「上」の層としてオペレーティングシステムがあり、さらにその上にアプリケーション（ウェブブラウザなど）が載っています。
同様に、カルチャー・スタックは創造的な作品の制作にとどまらず、アーティストのスタジオが行うことに他の「層」を加えるものです。
現在、アーティストが自ら美術館を開設し、技術開発のためにベンチャーキャピタルの資金を確保し、他のクリエイターが使えるツールを公開し、新素材の開発成果を有力な科学誌に発表するなど、さまざまな動きが見られます。
この動きが革新的なのは、既存の文化エコシステムの多くを「迂回」している点にあります。
これらのアーティストは、従来想定されていた資金源（ディーラー、コレクター、政府または慈善団体の助成金）や流通経路（ギャラリー、美術館、キュレーターなど）への依存度が突如として大幅に低下しています。実際、カルチャー・スタックは現行の文化システムに対する代替案を示唆しており、そのため後者は変わらなければなりません。
もちろん、アーティストは常にその時代の技術とともに制作してきましたし、多くは伝統的な美術の世界の外に機会を求めてきました。今日との違いは、この変化が進む速度、このアプローチの広がりの大きさ、そして彼らの成功の規模にあります。
「カルチャー・スタック」から得られる3つの教訓
カルチャー・スタックはまだ初期段階にあり、特にこのモデルがグローバル・ノースから広がるにつれて、今後進化していくでしょう。現在、その多くはグローバル・ノース（主に欧州、韓国、米国、日本）に集中しています。しかし、既に3つの点で大きな影響を与えています。
1. アート×テックの空間は既に活況を呈している
第一に、カルチャー・スタックは、文化と技術を融合させたハイブリッド型インフラ（文化と技術の双方を含む基盤）への戦略的投資が将来に不可欠であることを示しています。
例えば、Borderless（東京）は、2018年に没入型デジタルアート集団teamLabがMori Building Co.と協力して立ち上げたものです。この没入型アート美術館は、初年度に230万人の来場者を集め、単独のアーティストによる美術館として世界で最も来場者の多い美術館となりました。
さらに、交通量を押し上げ（近隣の青海駅で50%）、来場者数を増やし（VenusFortなど隣接する小売施設で20%）、Borderlessのような創造的・技術的プロジェクトが新たな創造的地区を生み出しうることを示しました。
これは、没入型体験が人気であるだけでなく、技術を用いるアーティストが、美術館やギャラリーの所有、資金調達、そして運営主体についての従来の期待を覆す立場にあることも示しています。
これに伴い、文化空間や地区へのアプローチを再考する必要があることが示唆されます。特に、技術を用いるアーティストが今や何を生み出せるのか、そして、より「従来型」の機関が彼らとともにどのような役割を果たすべきかを検討すべきです。
2. 倫理的基盤
第二に、倫理的な技術開発は、カルチャー・スタックにおいて強力な手段を見出しています。
カルチャー・スタックは、テック企業が作ったものを単に利用しているのではなく、「文化を優先する」視点から独自に構築しています。
例えば、レフィク・アナドルスタジオのDATALANDは、今年ロサンゼルスで開館するAIアートの美術館であり、カルチャー・スタックが倫理的原則を技術開発に直接組み込めることを示しています。
AIのエネルギー消費やデータの取り扱いに対する懸念が高まるなか、DATALANDはAIシステムに100%再生可能電力を利用することを約束するとともに、「Large Nature Model」技術をオープンに利用可能にし、他者が試行できるようにしています。
これは、カルチャー・スタックがテクノロジーの開発と規制を倫理的に捉える新たな方法を提供することを示唆しており、シリコンバレーの従来の理念とは大きく異なります。
…カルチャー・スタックは、どのような形態の資本や資金から恩恵を受けうるのかという新たな問いを提起しています…
3. 政策も追随すべき
第三に、カルチャー・スタックの資金調達モデルは、政策イノベーションに刺激を与えるべきです。
倫理的な技術の開発に、DATALANDのレフィク・アナドルと同様に深く取り組んでいるアーティスト、マット・ドライハーストとホリー・ハーンドンの活動を考えてみましょう。2019年の画期的なアルバム『PROTO』で音楽制作におけるAIの活用を先駆けて以来、彼らの活動は、デジタル・ガバナンスや所有権に関するさまざまな実験へと発展しています。
最近では、これはSpawningの共同創業にまで広がりました。同社はベンチャー出資を受けたスタートアップで、クリエイター向けに倫理的なAIツールを開発し、複数のオープンアクセス製品を公開しています。
このような事例は、今後、文化的実践をどのように資金調達すべきかという問いを投げかけています。現在、文化への資金提供はテクノロジー分野と比べて小規模であり、同じように「投資」として設計されることはほとんどありません。
しかし、カルチャー・スタックは、どのような形態の資本や資金から恩恵を受けうるのかという新たな問いを提起するとともに、例えば文化省が技術製品やサービスを提供する組織に投資することが何を意味するのかという問いも投げかけています。
こうした理由から、カルチャー・スタックのモデルを理解することは、政策、都市、そして制度を形づくる人々にとって任意の課題ではありません。カルチャー・スタックは、従来の文化の「いつも通り」のあり方を再考する前例のない機会であり、確立されたガバナンス、投資、都市計画の枠組みに緊急の課題を突きつけています。
この機会を進んで活かし、他者が従うべき基準を定めるほど大胆な人や組織が誰なのかは、依然として問われています。
ダボス・バウカルチャー・アライアンスは、公共部門と民間部門の関係者を結集し、共通の約束のもとに、建築環境と都市生活の質の向上を目指し、文化と文化的実践をこの使命の中心に据えることを提唱しています。
